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《X4基奠》建筑师雇佣方法分享建筑师在哪雇佣，

时间：2023-10-03 22:50:58 来源：浏览：

二百六十万个点、西方艺术史和杨冕的工作室

2020年12月19日，艺术家杨冕的个展《二百六十万个点和西方艺术史》在麓湖·A4美术馆开展。继西南影像和西南行为艺术之后，杨冕的个展为A4美术馆持续研究的西南艺术生态，链起了绘画艺术的一环。

杨冕个展《二百六十万个点和西方艺术史》现场

展览开幕后不久，在一个晴朗的冬日上午，YOU成都在杨冕位于蓝顶艺术区的工作室中，对艺术家进行了专访。

这栋被杨冕用作住家及工作室的建筑，在2020年几乎成为了蓝顶的网红打卡地。不少人已经通过网络，看到了它内部的模样；而艺术家也时常能透过落地窗，看到许多人正在拍房子的屋顶：

在那个著名的屋顶的一角，《罗马假日》里的奥黛丽·赫本正坐在格里高利·派克的小摩托车上。

蓝顶艺术区的杨冕工作室门头

雕塑作品《像罗马假日一样》

在两个多小时的采访中，杨冕与我们谈论了他的艺术创作：我们更细节地认识了他在A4美术馆的新展，即于2020年完成的《二百六十万个点和西方艺术史》系列作品；也更多地了解到他在创作生涯里，不论是通过绘画、雕塑或者是别的什么艺术手段，一以贯之的是他对于系统的艺术理论的自觉追求与实践。

同时，艺术家也与我们谈及他近年来对于古建筑的兴趣和相关新尝试，他对成都这座城市以及这座城市的艺术生态的长期观察。

还有，更重要的，他当下正在进行的全新的创作计划。

01/

二百六十万个点和西方艺术史

从安迪·沃霍尔出发到CMYK

“2,624,757个CMYK点和西方艺术史”（以下简称“CMYK西方艺术史”）是杨冕自2015年开始创作的系列作品。CMYK是彩色印刷时所广泛使用到的印刷色彩系统，只要我们在彩色印刷品上看到的图像，无论是期刊、杂志、书籍还是宣传册等等，都是CMYK模式表现的。

CMYK四个字母分别对应四种颜色，即青(Cyan)、洋红(Magenta)、黄(Yellow)、黑(blacK)，通常可由这四种色彩再现其他成千上万种色彩。在“CMYK系列”中，杨冕即以CMYK为基础模式进行创作。

“CMYK西方艺术史”并非杨冕“CMYK系列”的唯一尝试，事实上，杨冕从2009年左右就开始了该方法的初探，并更多地运用在以中国古典绘画为底本的创作上；比如，2019年，在成都博物馆的特展《灵蛇传奇》中，就展出了杨冕的《CMYK九龙图》。

杨冕从2015年开始创作的“CMYK西方艺术史”系列，对“CMYK系列”进行了新的突破。2020年，他画下了这个系列的最后一个点，然后带着2,624,757个CMYK点组成的13件绘画艺术作品，在麓湖·A4美术馆进行了展出。

那么，CMYK创作的过程到底是怎样的？艺术家为什么会以CMYK的方式进行创作？

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CMYK-前文艺复兴绘画

CMYK-前文艺复兴绘画，布面丙烯与透明树脂，280x110cmx4，2015

乔托·迪·邦纳《哀悼耶稣》

湿壁画,231.1x236.2cm,1304-1306

马萨乔《献金》

湿壁画,247x597cm,1425

乔凡尼·贝利尼《基督的复活》

板面油画转移至油画画布, 148x128cm,1475-1479

桑德罗·波提切利《维纳斯的诞生》

画布上蛋彩画,172.5x278.9cm,1480中期

（X：小都，Y：杨冕）

X：您做CMYK这个系列的契机是什么？一开始怎么会想到用这种方式去创作？

Y：最早大概在1999年左右，不知道你们有没有印象，那个时候还没有现在的投影仪，用的是幻灯机，也有打印机，就是四色打印机；很多的展览上，我们的标签就是用通过打印机打印在胶片上，然后贴在白墙上，那个时候觉得很高级。

当时我也在西南交大（任教），有一次我想给学生看个东西，就用打印机把那个东西的照片打成135胶卷，我一看还挺好的，觉得基本上可以说明问题，就拿去上课了。结果在很小的胶卷上看着觉得还挺好的，但幻灯机一放大之后我和学生们都吓坏了，就只有4个颜色的点点在画面里流淌。

当时我就感觉这个有点意思，应该把它做成作品，所以就一直在想要怎么做。直到2009年，我开始试验了。2009年到2010年，我可能做了起码30几张作品的尝试。那时候挺傻的，就用Photoshop分图层做，不是用AI，不是用矢量文件，后来发现不管你的电脑再好，到了几万个点的时候都会拖不动。你想想，几万个点，几万个图层，最后（电脑）就崩溃了。

那个时候我画了很多，比如说王希孟的《千里江山图》，好大啊，好像那张画有22米，我基本上画了几米后，就再也没有画了，因为电脑实在拖不动了，我觉得这个是一个笨办法。

工作中的杨冕

X：CMYK系列的创作过程是怎样的？

Y：先在电脑上选择一张要画的图，或者照片，或者图像，然后决定我们要画多大的点，这是首先要决定的。

X：画多大的点为什么重要？

Y：画多大的点意味着我能不能很充分地去表达。因为我的作品越近看越是抽象的，越远看越是具象的。但如果点太大，再远看也会是抽象的，那就不是我想要的东西。还有就是技术的问题，因为我目前为止，能画的最小的点也差不多就是3毫米，低于3毫米的基本上就不可能。

决定好点的大小，然后就在电脑里，把那张图放大，用CMYK的4个色点，一个屏画完，平移到第二个屏，直到最后一屏。一屏就是一个画面，一个画面就有一个视点，移动到下一屏时就产生了第二个视点，整个画面就有很多的视角，视角不断移动。这种创作方法使得我的作品都是“散点透视”的。

杨冕《CMYK-鹊华秋色图》局部

这也是超级写实主义的最重要的理论，就是有一种扑面而来的感觉，不是因为画得精细，而是因为它是散点透视。国画里的卷轴画也是这样，也是一段一段地画、一段一段地看。

在电脑上点完以后，我们把它转换成一个刻绘文件，分颜色图层把那些色点，用即时贴把它刻出来。刻出来后再把即时贴裱到画布上去，把即时贴的点拿掉，然后用油画颜料一层一层地画。

X：您把您的创作方法如此精确地跟我们进行了说明，不怕有人如果掌握了这套方法，就可以做出一样的作品？

Y：当然了，冒牌和模仿是我们最强大的“朋友”，我们也没有办法去制止他，我又没申请专利。但你要知道这个世界上，永远不会认第二个人。如果他还在艺术圈子里的话，一定不是艺术家，你明白吗？

X：您的意思是，原创性，或者说第一次去做这样尝试这件事本身，是最重要的。

Y：当然，这是显然的。

X：“CMYK系列”的第一件作品是什么呢？

Y：我有点忘了，如果没有记错的话，应该是宋徽宗的《五色鹦鹉图》。然后第一件拿出去展览的，是《大碗岛的星期天下午》，乔治·修拉的。现在这张作品在银川的当代美术馆收藏。

杨冕《CMYK-大碗岛的星期天下午》

乔治·修拉《大碗岛的星期天下午》

X：我们知道修拉在艺术史上开创了点彩派，看起来跟您的这种创作方法非常像。想问一下，您觉得您的精神上是更接近修拉的创作方式，还是更接近后来的安迪·沃霍尔的方法论？

Y：我觉得肯定是更接近安迪·沃霍尔，但是我与修拉也有气质接近的地方。修拉是不愿意在画面上去调和颜色的，画上以后，他就让那个点孤立地在那个画面上存在，所以这个实际上是我们两个气质一样的地方。

不过修拉那个时候，他不可能用我的方法去做作品，对吧？那个时候没有这种工具，所以到了我这里，我可以用电脑辅助去画这些点，我可以改，这儿不对，我可以把它挪一下，但是修拉不可以，因为他没有这样的工具。

因此，艺术最后就变成了工具和权力的问题，这两点是当代艺术中很重要的讨论，就是安迪·沃霍尔一直在讨论的。

X：您说您可能更接近安迪·沃霍尔，是说您的创作方法，是一种更当代的精神？

Y：对。安迪·沃霍尔说：“我没有名，我的作品里面的人都比我有名。”其实我也是这个态度，“我的作品没有名，我的作品里的作品都比我的作品有名”。我只画历史上的名画，中国传世的山水花鸟、中国寺观壁画里的佛像、西方艺术史里的经典作品……因为我要和观看者讨论一些问题，画的对象应该是大家都知道的。

CMYK-波普艺术之二，布面丙烯与透明树脂120x120cmx4，2019

安迪·沃霍尔《玛丽莲·梦露》

也就是说，我们要创造出一种规则，然后去影响别人。

当年，可能所有人都会认为安迪·沃霍尔没有那么艺术，他没有在绘画，对吧？就像我的画一样，有很多人也认为我没有那么艺术是一样的。但是对不起，我是经过四川美院油画系四年严格训练的人，我当年考四川美院的油画系，整个成都就录取了我一个人，我们去学院的目的，不是要跟着学院，而是反学院。

每个学院里面的人，最重要的就是要反学院。只有反学院以后，这个学院才会强大，因为它才会把所有成熟的东西放到学院里面去，然后教授给学生，这个是学院的精神。

02/

始终关心媒介与世界之关系

“视觉的民主性”的当下表达

采访时，杨冕回忆起流行文化巨星麦当娜和迈克尔·杰克逊，与好莱坞巨星奥黛丽·赫本一起，如何成为影响了全世界好几代人的文化符号，亦在青年时期的他的创作里，留下了痕迹。

通过观察西方流行文化符号对上世纪中国年轻一代的影响，杨冕创作了“经典系列”；而他更早时的“标准系列”，则讨论的是广告等商业文化如何成为人们的判断“标准”。不过，不论是“标准系列”“经典系列”，还是“CMYK系列”，以及，艺术家下一步的“RGB系列”，我们会发现，杨冕在创作中，始终关心媒介对世界的影响。

与此同时，杨冕也与我们讨论了他在创作过程中一直遵循的方法论，他将之总结为“视觉的民主性”。

基于不断地对媒介与世界关系的探讨，和对于创作方法论的抱持，杨冕也在绘画艺术之外进行了探索：比如，在A4美术馆的新展上，杨冕便以他早先创作的雕塑作品《危险之旅》和《宛如处女》为蓝本，同步推出了限量雕塑作品；在杨冕的工作室中，我们还见到了他以八大山人画作为灵感，创作的CMYK装置作品。

那么，艺术家方法论的背后藏着一个怎样的逻辑？

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CMYK-文艺复兴绘画

CMYK-文艺复兴绘画，布面丙烯与透明树脂，240x110cmx4，2015

莱昂纳多·达·芬奇《最后的晚餐》

蛋彩、油彩、干壁画,700x880cm,1495-1498

米开朗基罗《创造亚当》

湿壁画,279.4x569cm,1512

拉斐尔《加拉提亚的凯旋》

湿壁画,295x225cm,1514

（X：小都，Y：杨冕）

X：您刚刚聊到在创作“CMYK系列”时，会把即时贴撕掉之后，再用油画颜料画一遍。我以为您的创作只需在电脑上完成打点，喷绘打印出来就已经完成，为什么还要“苦行僧”般地再点画一遍呢？

Y：数码输出和绘画是两个不同的东西，对吧？数码输出好不好？好。它是一种指令，但是我要的是另一种指令，我要的是绘画的质感。以我提出的“视觉的民主性”的理论来说，我的作品确实无需再画一遍，它也成立。就是说，如果它只是打印出来，它也成立，只是我不愿意选择那种轨迹而已。

X：这和您工作室里那组装置作品是一样的？

Y：对，那组装置是CMYK衍生出来的形式。大概是在前年，我想要做一个立体的东西，就想到把八大山人画里的一些元素，一枝墨梅、一只孤鸟、刚刚长出来的荷花、莲蓬上站着的小鸟……这些元素做成了艺术装置。

不锈钢球是根据画的大小定制，之后用不锈钢串起来，每串一个焊接一个。串好后，我在钢珠表面涂上丙烯颜料，再喷哑光漆。我想把它切合得好一点，但也不想完全工厂化。因为太精致化、标准化以后，艺术的感觉，就是手工感就会弱一些。我对艺术的手工感还是挺迷恋的。

杨冕-八大山人CMYK系列衍生装置即将于银泰in99呈现

敬请期待

X：你一直在提“视觉的民主性”的观点，可否再详细地跟我们聊一聊？

Y：当我们在说艺术的时候，你们有没有觉得，以前的艺术都在教观众“我们怎么去理解艺术”。比如说，印象派，我们会说他如何把光线引入了那个画面，所以这个画面上会表现出很丰富的色彩，因为有光就有了可能性。

也就是说，以前大众对艺术的理解，其实大都把艺术放在了上面，艺术像一个了不起的人物的遗像一样，我们仅仅是去瞻仰它，而不能介入它。

X：您是说以前的艺术是神祗一样的、教喻一般的存在？

Y：对，我们以前说艺术来源于生活、高于生活，而我感觉艺术是低于生活的，因为生活真的是太丰富了，艺术就是生活的一部分而已。

所以，CMYK提出的视觉的民主性问题是，我的作品只提供了4个颜色的点而已，而通过这4个颜色的点就可以产生出CMYK以外的、非常丰富的颜色。

我们的视网膜对颜色的敏感度是完全不一样的，看到的这4个颜色之外的颜色也完全不一样。所以，以前的艺术家是，我要把某种颜色调给你看；但是我不要，（我觉得）这些事情都是你的，你看到什么就是什么，这是一种真正的互动。

X：所以您说的“视觉的民主性”，不一定要求观看的人要辨认出某种颜色，而是哪怕它是含混一片，也是有意义的。

Y：是的，以CMYK4种颜色为原点，在我的创作里面，那些点甚至都不交融。甚至你可以告诉他（观看者），这就是100%的青色，100%的洋红，看不出来都没关系。你在A4（美术馆）看到的作品也是不交融的，只是说如果你站得远之后，画面会变得更具象，看上去颜色交融了，但实际上这些颜色都是独立的点。

X：所以您觉得当代艺术不再是高高在上、依靠艺术家的技法或者天才灵感来去驱使的东西，而更多地是邀请艺术家和观看者共同去完成一件作品，形成您说的那种真正的互动？

Y：是的，我提出我的观点，大家一起来玩；而不是我创造一个东西，大家去享受。我觉得这个其实不是当代艺术特有的，其他的门类是一样的，科学也是这样的。

X：我们认识一些艺术家，他可能不会特别去讨论理论，或者他会觉得理论好像是陈腐的东西；但在您这里，创作本身已经是很先锋、很当代的尝试，但实际上您好像反而觉得创作理论才是您的艺术实践里更核心的存在？

Y：当然，没有理论你还有什么？就是体验嘛。但你的体验对别人来说一文不值。因为每个人都有体验，你凭什么说你的体验就是艺术，别人的体验就不是。

我觉得你刚才说的那些反对进行理论思考的，只有两个（情况），一是软弱，一是侥幸。

社会上有很多人都非常侥幸，觉得自己很有机会，鄙视网红的设计。但在我看来，网红就是未来系统价值观的开始，我相信那些做了网红设计的人，如果要一直走下去，最后都会变成好的设计师。原因是什么？因为历史把他推到了那个位置，他尝到了甜头，就知道，要想继续下去，就只有在这个起点上继续做。

X：您家门口的雕塑就变成了网红打卡点了。

Y：哈哈，我是因为（那件雕塑作品）没地方放。

与《二百六十万个点和西方艺术史》展览同步发布的衍生品发布现场

雕塑作品《宛如处女》，2020.12.19首发

21(高）×32（横）×21（纵）厘米 999版

55（高）×85（横）×55（纵）厘米 99版

雕塑作品《危险之旅》，2020.12.19首发

32.5(高）×10（横）×15（纵）厘米 999版

85（高）×25（横）×35（纵）厘米 99版

X：所以多年以来您的艺术创作都在“视觉的民主性”的这一理论框架下进行？

Y：是的。我一直都很关心媒介的影响，我以前画《美丽标准》系列，画广告里的人，《经典系列》也是画的流行文化符号。后来我们的主流传播媒介是纸质的，所以我做了CMYK。就像下一步我要做RGB一样，因为RGB是视频产生的图像的核心。

杨冕《来中国-创世纪》

布面油画,600 x 400 cm,2008

X：您下一步要做RGB？

Y：是的，其实已经做好了，在等机会展览。

X：能具体地聊聊吗？

Y：很简单，就像CMYK是印刷品的生产机制，RGB是视频等自发光色彩媒介的图像生产机制。

视频在现在的社会里，其作用可能比在前一段社会里印刷品的作用更明显。所以我提出的“视觉的民主性”的概念，会在RGB里体现得更充分。

X：您是发现视频媒介，更加地影响到您的生活了吗？

Y：对我个人来说没有。但我觉得这也没什么太大问题，视频更直观、更好，我们可以花5分钟去看一本书，为什么要花5天呢？也有很迂腐的人说，我拿着纸书阅读的感觉就是好，但那是你的感觉，别人也许并不这样认为。

我觉得每一代人有每一代人的生存逻辑，不要无端地去指责别人，不是快就是好，也不是慢就是好，只是时代不同而已。

X：您在这几个系列的创作实践里，觉得变化了的是什么，不变的又是什么呢？

Y：人实实在在地处于媒介的影响当中，我觉得媒介对人类的影响是一直在变化的。但是，我们要讨论这个媒介产生的原因是什么，所以，我的作品一直都在讨论媒介之后的东西。

比如《美丽标准》，实际上是在讨论权力问题。所谓权力问题就是“为什么这些女星是今天最漂亮的女性？”，然后，“哪些人评的？”，“谁给他们的权力？”

杨冕《青春“标准”之二》

布面油画,116 x 91 cm,1997

在《经典系列》里，麦当娜、赫本、迈克尔·杰克逊，也许从来没有来过中国，但却影响了几代人。我们对他们的认识，实际上都是通过媒介，现实当中他们也许并不是这样。

到CMYK也是一样的，我的作品是在讨论印刷品的生产机制，CMYK这4个颜色造成了所有的印刷事件。RGB也是，它实际上就是视频图像的生产机制，我们都去享受它，但是我们并没有去讨论怎么样去产生的这个东西，它的产生对我们有什么样影响的问题。

03/

当代艺术是城市文明的标志

美术馆亦需要当代机制

2000年美国《时代周刊》做了一个叫“YOUNG CHINA”专题，“‘青春’标准之三”在其中占了整整一页，那一年，杨冕30岁。

在艺术家中，杨冕属于年少成名的那种。

1998年，刚刚从川美油画系毕业不久的他，便拿到了中国当代艺术奖，成交的第一组作品“大标准-街头时尚忆”卖到了6300美金，从那时起，杨冕开始了他的世界游历。

从”标准系列”到“CMYK系列”，他的作品被全世界范围内的重要博物馆、美术馆及艺术机构广泛展览、收藏。

而此次在A4美术馆的《二百六十万个点和西方艺术史》是艺术家杨冕西方艺术史系列的首度整体亮相，也是杨冕20年后回到成都，在公共美术馆内举办的第一个个展。

那么，作为一个土生土长的成都人，在杨冕心中，成都是一座怎样的城市？他所感受到的成都艺术氛围是怎样的？

看看藏了几张名画，点击解锁

CMYK-印象主义绘画之一

CMYK-印象主义绘画之一，布面丙烯与透明树脂，280x190cmx2，2017

爱德华·马奈,草地上的午餐,布面油画,208x265.5cm,1862-1863

皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿,煎饼磨坊的舞会,布面油画,131x175cm,1876

乔治-皮埃尔·修拉,大碗岛的星期天下午,布面油画,207.5x308cm,1884-1886

（X：小都，Y：杨冕）

X：在您的眼里面成都是一座怎样的城市？

Y：成都是一座很温暖的城市，这种温暖实际上是因为她的物产丰富，就丰富程度来说，我觉得可能其他的地方没有办法比。

在这种物质条件里面，人的性格，似乎是没有那种狠劲，也没有一种要拼的感觉。但是它有它的好，就是你感觉这个城市的人是靠智慧在挣钱，不是那种每个人都苦哈哈，忙碌的样子，就变得比较有闲。普通人在这里生活，我觉得还是算很幸福的，这种幸福，它是骨子里边的幸福。

杨冕个展《二百六十万个点和西方艺术史》现场

而且我个人认为，成都的人情关系和人际关系其实是一个特别小的社会。它由不同的单元组成，以前核心圈子很小，因为那时候成都比较小；后来成都变大了，真的是现在最大的城市之一，但是，新来的人其实他们很多人是自成一圈的。比如我们身边的朋友，那个圈子还是一直在一起，所以它就变得很温暖，就是你不管你怎么变，我不太介意，但是我的圈子还是依然很强大地在那儿。

X：这种城市的氛围或者说性格，有没有给您的创作带来一些影响？

Y：我觉得不会。作品的问题是这样的，当代艺术家是靠知识在创作，而不是靠灵感。如果靠灵感去创作，我觉得是对当代艺术的侮辱。也就是说靠知识，首先你得有知识，有知识你还得有文化。

因为当代艺术我们已经聊了很多，它首要的任务是要贡献，要有创造力。文化的概念就是你必须要对文化提出你的看法，反之，我觉得你不能叫有文化，你只能叫有知识。艺术家其实也是这样的。

杨冕个展《二百六十万个点和西方艺术史》现场

X：这次的展览也是您20年之后，第一次回到成都做个展？

Y：我不是20年之后回到成都第一次做展，而是20年后第一次在成都的公共美术馆里面做展览。其他展览有很多，个展没几个，但也有，比如说16年我在千高原做过个展。

之前没有在成都的公共美术馆做过展览，是因为成都的公共美术馆资源我觉得还是很紧缺。缺是什么原因？是因为，我们觉得美术馆其实要有一个当代的机制，就是美术馆是一个机制，这个我觉得是不可逾越的。

X：你觉得这个机制是什么？如果要放作品，你希望你的作品放在什么样的美术馆？

Y：机制很简单，一要有学术的主导。

比如说你需要有学术委员会，学术的事情是学术委员会来决定的，它不是某个人可以决定的，我觉得这是很重要的。委员会要对美术馆负责，如果你们胆敢展一些乱七八糟的东西，就要被问责。你知道，其实做文化的和做艺术的人，名声可能比命都重要，用制度去约束他们，让他们不要有犯错的机会。

第二，美术馆本身的运营机制，我觉得这个其实也很重要。它是一个系统工程。而不仅仅是一个展示工程，有展览部、对外推广部，然后现在其实科教很重要，就是整个美术馆的现代机制里面，它其实包括很多，如果是博物馆的话，就是收藏部的人就更重要。

这个机制在成都还我觉得才刚刚开始，但是开始了就很好，你想想，我们很多公立的美术馆其实没有这个机制。因为包括很多，挂画就完了，而且有的很荒唐，墙上打钉子眼都不准。实际上，这种现代机制，在今天来说，在国际上已经通行了至少是几十年。

成都博物馆《灵蛇传奇》展览

杨冕作品《CMYK-九龙图》亮相

杨冕《CMYK-九龙图》7-1，2019

杨冕《CMYK-九龙图》7-3，2019

X：那么，在20年前，是一个怎样的情况？

Y：我记得在2002年的时候，我靠“卖艺维生”，有一些闲钱。总的来看我算是比较幸运，成名比较早，当然也有人说我三十岁是就少年得志的。那个时候当代艺术和世界的链接，成都的链接都会链接到我们这里。

你就觉得很尴尬，那个时候，成都没有画廊，没有美术馆，什么都没有。然后，每一次你要带他们这些重要的人去看艺术，只能去一个一个艺术家的家里。艺术家很多，但是展览的空间没有。我们都在家里工作。

在02年我就自己掏钱和后来我在巴黎展览的助手在成都开一家艺术中心，叫“成都现在艺术中心”，直到04年关闭。我们那个时候，做了比较好的个展里边，比如说师进滇、杨黎明的展览，后来还推动成都艺术家师进滇进入“法国蒙彼利埃-中国当代艺术双年展”，包括在798和空中客车老板的太太两人的“云”二人展。

那个时候我觉得特别好，我们甚至还做过蒙特利尔电子音乐节的亚洲巡演成都站，当时其实亚洲巡演只有4个站，因为我们，蒙特利尔电子音乐节来了成都，里面有一个叫阿库芬的，真的是属于电子音乐界的泰斗，演出是在红色年代，我们还找了当地的最年轻的DJ去参与了这个活动。

X：因为您的《二百六十万个点和西方艺术史》，其实应该算是您CMYK系列当中非常重要的一个展览，您把它放到了成都，放到了A4，这是不是意味着成都的美术馆和机制，是在往好的方向发展?

Y：这是肯定的。

作为我来说，肯定对于在成都的美术馆做展览，是很看重的，因为我是生在这个城市，长在这个城市的人，绝对希望这个城市有非常好的文化氛围，然后有非常厉害的艺术的交流场地，那就是画廊和美术馆。

杨冕个展《二百六十万个点和西方艺术史》现场

因为我知道成都最近要开很多美术馆，其实我们也很期待。我希望能够帮助城市，能够让好的东西在这个地方呈现，因为毕竟美术馆是对大众教育、艺术教育的第一现场。这个第一现场，基本上相当于天主教里面的教堂。它是一种媒介，你展什么样的东西，其实对于大众来说，是极其重要的，他就认为什么样的东西是好的。

就全世界范围来说，基本上当代艺术就是一座城市文明的标志。这是一个公式，就是普遍的价值都是这样的。你看哪个文明的城市在世界有一席之地的，它的当代艺术不厉害？没有。

这次展览的A4美术馆肯定无疑是西部最好的美术馆之一，而且我个人认为其实美术馆跟艺术家合作，除了实力之外，其实还是有一个缘分的关系。A4美术馆，在成都有一个在地性，我也属于有在地性。

麓湖·A4美术馆

04/

从“罗马假日”到“减公司”

新的建筑旅程已开启

2021年第一天，杨冕在朋友圈写道：

“很高兴给大家宣布：我幸运收获了比我更年轻有为的建筑合伙人靳洪铎先生，设计合伙人朱旭女士。我们多年以来一起聊艺术、聊建筑、聊设计，聊系统美学价值的意义，大家非常希望能一起做一些有系统美学价值观的作品，于是我们就共建了一个想要做这样事情的公司：减公司（Meno Company)。”

当然，对于这位被圈内称为“最懂建筑的艺术家”来说，“减公司”的成立，无疑是开启新旅程的官宣，但熟悉杨冕的人都知道，这一切似乎都顺理成章，因为，就建筑实践而言，这并非他在建筑设计上的首次尝试了。

如果你曾去过成都蓝顶艺术区一期，就一定会被一架置于屋顶上的“罗马假日”雕塑所吸引；有幸步入院中，就更能感受到何为设计与生活的亲密关系。这座杨冕亲手设计的房子，最近再次火了，但距离它的诞生，早已过去了10年。

和杨冕的交流中，我们总是会被他的坦然所吸引，论及当代艺术，言语之间，一个个幽默而有力的“惊雷”，击中久藏于神经的软弱，在脑间爆炸。那么，艺术家杨冕与建筑之间有着什么渊源？以及，那些看似“敢说”的言语之后，他想表达什么？

看看藏了几张名画，点击解锁

CMYK-超现实主义绘画

CMYK-超现实主义绘画，布面丙烯与透明树脂，190x270cm，2016

胡安·米罗,小丑的狂欢节,布面油画,66x93cm,1924

萨尔瓦多·达利,记忆的永恒,布面油画,24.1x33cm,1931

勒内·马格利特,戈尔孔达,布面油画,100x81cm,1953

（X：小都，Y：杨冕）

X：我们发现您对中国古代建筑有一个兴趣，包括看到你的微博上，今年夏天有一个中国木结构建筑考察之旅，这个过程好玩吗？

Y：我就特别兴奋。那作为普通的游客来说，比如我女儿和我太太，她们也觉得很震撼，我们真的看到了全世界最好的那些东西，然后而且在中国境内。

你就觉得，人生就这样的话，没有什么缺陷了。你觉得太棒了，就是那种棒，BOOM，比你第一次谈恋爱的时候还厉害，是冲击性的。

CMYK-阿弥陀西方净土变盛唐 ,275x240cm，正面

CMYK-中国新疆地区佛教壁画，40 x 60 cm ，2020

还有建筑其实对我来说是一个特别大的兴趣点。我在很多场合都说，我学习建筑花的时间，和学艺术花的时间完全差不多。实际上只是有一点点遗憾的是，对建筑学习的这些东西，基本上，还没有会回馈社会。

但是我现在我跟一个建筑师，一个室内设计师，我们自己准备合作一个事，就是做一个系统价值观的东西。比如说一个项目，有完整的系统价值观，建筑、室内设计，包括软装、艺术品，都是很完整的呈现。

杨冕中国木结构建筑考察之旅的第八站：广胜寺、广胜下寺。1929年为修缮寺庙，寺僧伙同乡绅和地方官员将四幅壁画分割剥离作价1600大洋卖给了当年最有名的古董商卢芹斋。

现藏于纳尔逊中国庙宇的《炽盛光经变图》，元代

现藏于现存纽约大都会的《药师经变图》，元代

X：这样的建筑和壁画，成都有吗？

Y：我未来可能还想做一个关于中国寺观壁画的历史的展，就是我会画四川的，包括成都的明代壁画，我基本上全部都去认真去考察过，四川有很多明代壁画，实际上是全世界最好的。

第一是新津的观音寺，第二是剑阁的圆觉寺，第三是平武的报恩寺，然后资中的甘露寺，新繁的龙藏寺，还有几个比较零散，现在都还是原生态保护，而没有恒温恒湿。

巴黎A2Z画廊展览《杨冕- “C.M.Y.K”》，2020年

屏风作品：CMYK-阿弥陀西方净土变盛唐

X：这样的过程，在您的日常中多吗？

Y：我们差不多每一年都有，去做一个艺术的实地考察，比如说以前我们带女儿去巴黎、纽约、意大利看。因为我们旅行的主线是以建筑考察去设计的，全世界跑，就是以文化考察为主的旅游，我们家基本上是这样的方法。然后在其中建筑又是一个非常重要的考察对象，因为建筑和艺术是放在一起的。

X：您对建筑的兴趣是与生俱来的，还是说是因为这么多年走了很多地方，然后看到很多就震撼所以感兴趣？

Y：我觉得震撼是第二次革命。第一次革命跟我父亲有关，我记得小的时候，我们家的书架上面有很多关于中国古典园林的书籍，一些造园的图，我儿时当连环画在看。

第二次是出国去看，比如说我最大的刺激就是第一次去巴黎的时候，去看法兰西国家图书馆，有4个塔，1个平台，中间有1个空间，一看，居然有这样的建筑，是一个特别完整的设计方案，就比新凯旋门对我的刺激更大。

X：我们发现您有一些观点，比如说“艺术低于生活”“原创的这种图像是没有意义的”“反视觉”“反对科技让艺术家翅膀”包括您提出的视觉的民主性，这个是您性格中就是那种反思还是什么？

Y：我觉得不是反思，而是你有没有觉得社会丧失了自我反省的能力？我觉得是。我们很愿意把一个谎话说到底，但是实际上我们并不是这样去干的。

前期我还说过很多这样的话，比如我说“文化产业化就是一个屁，我们最重要的不是要文化产业化，是要把产业文化化”，只有产业文化化了以后，我们才会让那些尝到文化甜头的企业去做一些文化方面的事情，然后让他们和文化结合，做一些文化产业化的事情。

当然反思可能也是我们很重要的一个东西，就是你得对任何东西有看法，这个看法不是一定要相反的，而且你得有一个理论依据。就像我说“图像原创没有意义”，因为所有照相机的设计都是工程师完成的程序，你说你的原创在哪里？你不就是个编辑吗？另类编辑而已。但是原图像不是你生成的，而是照相机生产的，是镜头和程序的合成。

CMYK-太湖石 No.1,76x80x25cm,2018

X：最后，因为您是70年的，然后现在是50岁，就想弱弱地问一下，您会不会有一些压力？哈哈。

Y：我50岁的感觉是，我应该更努力地工作。真的，因为不管是资源还是智慧还是精力，都是最棒的时候，应该做一些事儿。

我并没有觉得有压力，我也没有觉得我老。哈哈，完全没有，真的是。有时候觉得自己像打了鸡血一样，晚上熬夜经常两三点。

然后我给A4那边说，跟你们合作做这个展览，我觉得我这辈子都没这么努力过，哈哈。

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从2020年12月19日到2021年3月7日，艺术家杨冕的个展《二百六十万个点和西方艺术史》将持续在麓湖·A4美术馆展出。

展出的13幅作品，每一幅都以CMYK的形式叠加了3幅以上西方艺术史上的名画。正如艺术家所提出的“视觉的民主性”那样，步入展厅，任何人都可以得到自己的那部分收获。

此外，顾雄个展《顾雄 — 河流》，A4国际艺术家驻留项目廖明明个展《Tangpu入蜀》也同步在A4美术馆展出。从媒介影响到全球化进程中的移民与身份问题，再到艺术家对传统与现代的感受，三位艺术家将从不同的方向，邀请观众开启三场不同的艺术旅程。

杨冕个展《二百六十万个点和西方艺术史》现场

顾雄个展《顾雄 — 河流》现场

廖明明个展《Tangpu入蜀》现场