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艺术家“浪费食物”可耻吗？

詹妮弗·鲁贝尔《Creation》，2009年

对艺术家来说，在创作中他们有无数种方式和媒介可以选择：绘画用的丙烯、油彩；用于雕塑的石膏、木料等。但是偏偏有这样一群艺术家“把浪费食物当艺术”，他们“不知道地球上有多少人吃不饱饭吗？”这些艺术家究竟是怎么思考的？

近日，英国最酷的女艺术家莎拉·卢卡斯（Sarah Lucas）强势登陆红砖美术馆的消息“引爆”了北京艺术界。作为迄今为止在亚洲地区呈现的最大个展，艺术家携带百余件不同时期的代表作品全面呈现其30多年艺术生涯的点点滴滴。

艺术家莎拉·卢卡斯（摄影：胥欢）

在展览开幕当日，卢卡斯带来的行为及装置作品《致女人的一千个鸡蛋》（One Thousand Eggs: For Women）特别值得注意。此作品邀请女性及身着女装的男性将一个个鸡蛋朝着墙壁扔去，现场蛋液倾流遍地，墙面也被其染为黄白相间的颜色。

《致女人的一千个鸡蛋》创作现场

而部分网友在目睹了这场“大型浪费食物现场”后，均化身为“光盘行动”的卫道士，对其大声指责道：“鸡妈妈下蛋多辛苦，竟为艺术牺牲了自己的1000颗蛋，心疼鸡妈妈三秒钟”、“朱门酒肉臭，路有冻死骨”……

然而卢卡斯其实意在通过鸡蛋隐喻性别特征。与此同时，她也在用其微妙地影射和挑战时代对于性别、性取向等身份认知的刻板印象。

莎拉·卢卡斯《I’VE GOT THE BALLS》，28分钟，2018年

但公众与艺术家之间的理解错位，不禁使我们思考食材在艺术创作中究竟是何地位、有何价值？艺术家能否通过食物来表达自身对艺术的见解？时尚芭莎艺术今日便列举多位以食材为创作主体的艺术家，看看“浪费”食物有何新花样。

迪特尔·罗特：再现衰败之美

艺术家迪特尔·罗特

自上世纪60年代以来，食物作为创作材料被越来越多地引入至艺术创作中，而巧克力以其独有的可塑性占据榜首。来自瑞士的新达达主义（Neo-Dada）艺术家迪特尔·罗特（Dieter Roth）自然也将之“玩”出了多种花样。

迪特尔·罗特《P.O.TH.A.A.VFB》，巧克力、鸟食，21×14×12cm，1968年

在他手中，巧克力摇身一变成为绘画与雕塑的原料。其最具代表性的作品《P.O.TH.A.A.VFB》便是罗特利用巧克力与鸟食的混合物制作而成的个人肖像。当时，艺术家打算将之摆放在户外的露天场所，直到被飞鸟啄食干净。而现在，它却变为千疮百孔的不堪模样。

迪特尔·罗特《Basel on the Rhine》，巧克力，80×80×4.6cm，1969年

除此之外，罗特还经常利用其它的可食用材料，如糖果、奶酪、酸奶、面包和肉末制作精巧复杂的装置艺术。看到这你可能会有疑问：这些用食物创作的艺术品，是否有保质期呢？

迪特尔·罗特《Into the Sea, Mold Mountain》，金属、石膏、纸、巧克力、酸奶、果汁，31.4×31.7×31.7cm，1969年

迪特尔·罗特《Schokoladenmeer》（局部），巧克力、纸，110×66×32cm，1970年

答案当然是肯定的。它们虽然披上了艺术品这看似永恒的外衣，但终究难抵腐坏的命运。不过，这却恰恰是艺术家的创作初衷——浓缩作品的生命周期，将衰败与死亡之美摆在观众面前。随着时间流逝，这些作品吸引了许多小生命的光临：小虫在其中筑巢、繁衍；细菌也使之穿上了毛绒绒的外衣……

迪特尔·罗特《Thomkinspatent》，蔬菜汁丝网印刷，72.1×101.9cm，1968年

罗特这种“浪费”食物的创作方式，其中心思想意在表达“无常”。他深信万事万物均不会永恒，只有“易变”和“短暂”才是世间永恒的真理。

珍妮·安东尼：关于自我

在迪特尔·罗特大显身手的上世纪60年代，美国艺术家珍妮·安东尼（Janine Antoni）才于巴哈马群岛呱呱坠地。谁会想到在30年后，她会成为美国首屈一指的当代艺术家。

艺术家珍妮·安东尼

安东尼杰出的艺术成就与其自由、完备的学院派教育背景紧密相关。在艺术家看来，只有用“事必躬亲”的态度，才可将自己与观众相联结。所以在创作中，她常用一些会被他人侧目的方式——舔舐、啃咬、揉抹，来表达自己对生活和艺术的认知。

珍妮·安东尼《Gnaw》，巧克力、猪油，各60.96×60.96×60.96cm，1992年

例如在作品《Gnaw》中，安东尼以啃噬和咀嚼的方式对两块重达600磅的巧克力、猪油立方体进行“雕刻”，以至于原本棱角分明的材料被她创作得“面目全非”。不过安东尼却还算节俭，那些被她啃噬的部分并未走向垃圾场，而是被精心处理为众多心形巧克力盒与管状口红，并于模拟商店中上架销售。

珍妮·安东尼《Gnaw》，巧克力盒、口红

安东尼的另一组“浪费”食物的艺术品《Lick and Lather》创作于1993年。当时，她分别使用巧克力与肥皂浇筑了14尊自己的半身像。

之后，艺术家还是用其标志性的创作方式——舔舐，对其中的七尊巧克力像进行再创作。试图以此种轻柔、爱意满满的方式抚慰“自己”的伤痕。而另外七尊皂像则被她带入浴室，经过对其数小时的冲洗与揉抹，它们的外表宛如出浴的新生儿一般细嫩丝滑。

珍妮·安东尼《Lick and Lather》，巧克力、肥皂，各60.96×40.64×33.02cm，1993-1994年

其实，这些极为暧昧甚至会令人不适的创作方法，正是安东尼对于自我的寻觅与塑造：舔舐代表着欲望和情色；冲洗与揉抹则是对于“贞操”——这个被社会构建出的令女性倍受捆绑的概念的个人注解。

帕奇希娅·奥奇拉《Moroso Stand Salone del Mobile》，空间设计，2019年

她们创造“天堂”

你爱吃甜品吗？糖果、巧克力、甘甜的水果……光是想想就会让人垂涎欲滴，《查理和巧克力工厂》的画面更是在数不清的梦境中上演。然而你可知道，这样的场景其实早被艺术家搬入了现实。

安雅·加洛西奥《Stoke》，巧克力，1994年 © Anya Gallaccio. Courtesy the artist and Blum & Poe, Los Angeles/New York/Tokyo. Photo: Makenzie Goodman.

安雅·加洛西奥（Anya Gallaccio）是英国当代著名的艺术家之一，她经常以食物与鲜花作为创作主体并用其讨论时间与生命的关系。通过呈现鲜花凋零、衰败；瓜果干朽、腐烂的过程，观众可以从多感官维度感受艺术家的良苦用心——再鲜活的生命也终将走向腐朽。

艺术家

安雅·加洛西奥

不过若说起加洛西奥最出名的作品，还当属始创于上世纪90年代的《Stoke》。当时，艺术家用可食用巧克力涂满了展览现场的整面墙壁。在这里，观众可以随心所欲地与作品互动，即便是不顾形象地啃、舔、刮都是可被接受的。与此同时，加洛西奥还在展览空间中设置了一条长凳，以供吃累了的观众驻足休息。

安雅·加洛西奥《Stoke》（局部），巧克力，1994年 © Anya Gallaccio. Courtesy the artist and Blum & Poe, Los Angeles/New York/Tokyo. Photo: Makenzie Goodman.

“《Stoke》并非一块普通的巧克力，它侧面展示了人对食物、快乐和欲望的处理方式。它与社会息息相关，也和情色脱不了干系。”加洛西奥解释道。

安雅·加洛西奥《because nothing has changed》，青铜、苹果、线，280×200×150cm，2001年

安雅·加洛西奥《it must give pleasure》，混合材料，76.2×38.1cm，2001年

用美食造屋（物）的艺术家还有来自美国的詹妮弗·鲁贝尔（Jennifer Rubell）。与其把创作于2009年的作品《Creation》称为艺术，不如将其视作一场向神话与大师致敬的饕餮盛宴。

艺术家詹妮弗·鲁贝尔

当时，鲁贝尔以重达一吨的烤猪排（暗喻夏娃是亚当的一根肋骨）作为主菜宴请艺术界名流。其周围的点点蜂蜜令人想起约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）创作于1976年的作品《Honey is flowing in all directions》。躺倒的苹果树、装满糖粉的袋子、向杰夫·昆斯（Jeff Koons）致意的巧克力兔……每一种食材都包含着鲁贝尔更深层的寓意。

詹妮弗·鲁贝尔《Creation》，2009年

其实这场盛大的美食“表演”正是艺术家讽刺资产阶级生活方式“批斗会”，同时也是她试图冲破生活边界，并将社会分工僵化这一现实问题端上台面讲的突破性举动。

面对鲁贝尔的先锋艺术实验，曾有评论家这样说：“其奢侈、浪费的大胆举动其实是对当下世界的尖锐批判。但与此同时，它们也迎合了当代艺术的流浪精神与消费本质。”

约瑟夫·博伊斯《Honey is Flowing in All Directions》，纸上墨迹、印章，21×29cm，1976年

“粒粒皆辛苦”想必是所有人都深谙于心的古训，但就艺术创作来说，此时的食物早已脱离了最基础的裹腹职能，被赋予了更高层次的精神内涵。

詹妮弗·鲁贝尔《Padded Cell》，棉花糖，2010年

艺术之于公众来说似乎从来都是晦涩难懂的，但当看似充满争议的先锋性艺术摆在观众面前时，敞开心扉并以开放学习的心态去尝试理解与接受，未尝不是一种更好的选择。

<编辑、文/赵子琛>

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